El 15 de octubre de 1999, 20th Century Fox estrenó en cines la adaptación de El club de la pelea dirigida por David Fincher, que eventualmente recaudaría 100 millones de dólares a nivel mundial. A continuación, la reseña original de The Hollywood Reporter:
La cuarta película de David Fincher, El club de la pelea, está impecablemente realizada pero constituye un arte profundamente fascista. Nihilista e intransigente, la película es fascinante aunque hipócrita, una descarada denuncia de la cultura del cartel publicitario que a su vez utiliza estrellas glamorosas y nueva tecnología para hacer posible su realización. Inconfundiblemente una obra de su tiempo, de la cultura, de Hollywood, la película exige cierta atención y no se descarta fácilmente, pero hay algo profundamente inquietante en una obra que defiende sin crítica la brutalidad como función de la alienación y la inconformidad.
El club de la pelea parece precisamente el tipo de producto de Hollywood señalado en el clamor por una mayor responsabilidad y moralidad en el debate nacional posterior a Columbine. Ya sea que la fecha de estreno retrasada —de principios de agosto a mediados de octubre— haya sido una respuesta a eso o simplemente se deba a que no estaba terminada a tiempo (la película se proyectó aquí sin los créditos finales), Fight Club posee los requisitos primarios del éxito: un director con éxito comercial comprobado, estrellas de renombre, material provocador para atraer al público joven y la inevitable controversia generada por el tema. Pero su atractivo es tan limitado como confusa es la película, y seguramente polarizará a críticos y audiencias.
La película sintetiza las dos obras anteriores de Fincher, Se7en y The Game, explorando las raíces de la capacidad humana para la depravación y lo inexplicable, yuxtapuesto con el examen irónico y posmodernista de la forma y el contenido, del control y lo elaboradamente ficticio. Pero parte de la confusión de la película proviene de la lucha por la autoría entre los cuatro protagonistas: la dirección de Fincher, el guion de Jim Uhls basado en la novela de Chuck Palahniuk y los estilos interpretativos, a veces contradictorios, de Brad Pitt y Edward Norton. Así, lo que comienza prometedoramente como una sátira se vuelve cada vez más abstracto, convirtiéndose en alegoría y fábula de advertencia hasta su último tercio, cuando degenera en un thriller apocalíptico de Hollywood con una revelación de la trama en el acto final poco convincente.
Narrada en retrospectiva, la película comienza describiendo la incursión de Norton en grupos de apoyo y encuentro como posible antídoto para su insomnio. Nunca identificado por nombre, Norton es llamado el Narrador. Es un especialista en riesgos para una gran compañía automotriz. Su condominio impersonal está decorado con productos de lujo pedidos de catálogos de marcas reconocidas. Volando de regreso de un viaje de negocios, entabla amistad con Tyler Durden (Pitt), un solitario enigmático e inteligente. Tras el incendio misterioso de su condominio, el Narrador se muda con Tyler, compartiendo su lúgubre casa de tres niveles. Tyler, quien fabrica su propio jabón, trabaja como proyeccionista (donde inserta material pornográfico en copias de Cenicienta) y como camarero (donde contamina la sopa con su propia orina).
El Narrador sucumbe rápidamente al encanto diabólico y a la abrasadora honestidad de Tyler. En el estacionamiento de un bar que frecuentan, en un estallido de camaradería, ambos comienzan a golpearse, poniendo a prueba cuánto dolor pueden infligir y soportar. Gradualmente, sus peleas atraen a un grupo de espectadores y los combates se vuelven rituales, aprovechando una subcultura de hombres agresivos y alienados divididos por distinciones de clase. Cada sábado por la noche, en el sótano del bar, las peleas brutales a manos desnudas establecen un orden dominante, un grupo de superhombres nietzscheanos (“Haz esto durante un mes y tu cuerpo será esculpido en madera”, entona el Narrador).
Tyler se convierte en el catalizador del rechazo violento del Narrador a la vida burguesa que ha cultivado tan asiduamente. Cada vez más, asume las características de Tyler. Dramáticamente, el conflicto gira en torno a su temor de que Tyler se haya salido de control, ya que ha comenzado a utilizar la casa como base de una red terrorista para orquestar el “Proyecto Mayhem”, actos violentos de sabotaje corporativo. Pero la historia, que servía para esbozar una visión tan provocadora y oscura de la crítica social y el colapso de la civilización, se vuelve esquizoide y desquiciada. Helena Bonham Carter está muy mal aprovechada como un alma perdida y drogadicta que se interpone entre los dos hombres.
La película se basa en el disgusto y la agresión para hacer su punto dramáticamente. La forma y el contenido se fusionan de manera muy incómoda. El examen no crítico de Fincher sobre la violencia y sus repercusiones se convierte en sí mismo en una celebración, una estética y una ideología que se vuelve cada vez más sádica y cruel. Peor aún, el retrato que emerge no necesariamente se ilustra, sino que se diseña artísticamente —las condiciones de vida corroídas de la casa, por ejemplo— justo en el tipo de estilo que Fincher critica en la película.
A medida que la historia se descompone, la estructura social alternativa que Fincher imagina parece inusualmente superficial e incompleta. El club de la pelea es formalmente una producción muy atractiva, pero es coercitiva e implacable. La cinematografía de Jeff Cronenweth es probablemente la más oscura jamás perpetrada en una película importante de Hollywood. Con una ausencia de luz natural, la película se desarrolla en una sucesión de interiores subterráneos y exteriores con luz negra que se vuelven tan asfixiantes como la propia película. Esta película te dice exactamente qué pensar y qué decir, sin ofrecer casi nada de sustancia o reflexión (Publicado originalmente el 13 de septiembre de 1999).
