Mariana Treviño es una de las intérpretes más queridas de México, con una carrera que ha trascendido fronteras. Su papel en Club de Cuervos la catapultó al reconocimiento popular, pero su formación teatral y su visión artística le han permitido explorar registros muy diversos. Ha trabajado en doblaje, televisión y cine, destacándose por su energía escénica y la autenticidad que imprime a cada personaje. En 2023 compartió créditos con Tom Hanks en A Man Called Otto, consolidando su presencia internacional.
¿Qué tan en serio se toma la comedia en la industria mexicana? ¿Sientes que se subestima hacer reír?
Cuando uno ve premios o ceremonias, es claro que la comedia suele quedar fuera de muchas consideraciones. Se ha hablado mucho del tema. La comedia arrastra un estigma, tal vez por su origen popular, como en las carpas. No empezó allí, pero fue un punto clave, un espacio donde se decía mucho en clave de humor. Siempre ha estado en diálogo con la crítica, aunque no siempre se le valore.
El humor ha sido una forma de decir verdades incómodas. Nos permite vernos desde otro lugar, con empatía, quitándole algo de peso a la seriedad. La vida ya es suficientemente dura.
Sería muy interesante analizar esto más a fondo: ¿de dónde viene esa percepción?, ¿cómo ha evolucionado? En México tenemos grandes exponentes que, además de entretener, reflejan nuestra identidad.
Creo que cada vez se intenta dar más valor a la comedia. Quizás no desde las academias, pero el público la busca porque necesitamos reír. Es una forma de alivio, de reconocernos con humor. Perdón si estoy cantinfleando…
Justamente, venimos de una tradición como la de Cantinflas.
Exacto.
Pensaba en Chaplin, quizá el mejor actor de la historia, que nunca ganó un Óscar competitivo.
Tal cual. Y si hablamos de Cantinflas, fue maravilloso cómo sintetizó lo mexicano, esa forma ingeniosa de decir la verdad. El humor revela mucho sobre lo que somos como cultura y como individuos.
¿Cómo logras mantenerte genuina cuando un personaje tiene tanta energía, como ocurre en la comedia?
Tiene que ver con desde dónde lo haces. La actuación es acción. Las acciones nos definen, como en la vida. Mientras tengas claro por qué hace algo un personaje, te mantienes genuina. Actuar es vivir momentos únicos. Una toma nunca es igual a otra. Ese fluir es lo que da chispa y verdad. Puedes planearlo todo, pero siempre saldrá distinto.
¿Nunca te ha pasado que un personaje se te parezca tanto que te transforme?
Sí, muchas veces. Siento que, si un personaje llega a mí, es porque tengo algo que ofrecerle. A veces entiendo lo que vive porque lo he vivido. Con Lupita, un personaje que pronto se verá en una serie, me pasó algo fuerte. Me enseñó resiliencia, a seguir sin importar qué. Mientras la interpretaba, me ocurrieron cosas muy duras en lo personal. Ella es luminosa, pero desató pruebas difíciles. Agradezco eso. Es un personaje que aún me da lecciones. Siento que no ha terminado.
¿Qué comentario del público te ha marcado más?
Hay algo muy lindo cuando lo que haces toca a alguien. Cuando hicimos la película con Tom Hanks, su director Marc Forster me contó que, en una entrevista en Londres, un joven dijo que la película le cambió la vida. Estaba pensando en quitarse la vida, pero al verla lloró, se reconcilió con su existencia y decidió seguir adelante. Eso me conmovió profundamente. No por sentir que “yo lo logré”, sino porque entendí que lo que hacemos puede tener ese efecto. Esto también es un servicio: ayudarnos a vernos, a entendernos.
Al principio, en el teatro, no me pagaban, pero no me importaba. Me apasionaba hacer personajes, encarnarlos. Y aunque hoy vivimos de esto, hay que recordar siempre por qué empezamos.
Me hablabas del teatro. ¿Qué te da que no encuentras en el cine o en la televisión?
El teatro fue mi primer amor. Desde niña, el cuerpo me llevó al arte: la danza, el canto… Mi primer contacto fue desde el cuerpo y el alma.
El escenario es un espacio vivo. Hay una comunión con el público que no se puede comparar. La energía es directa, compartida. Te paras ahí con todo tu ser.
¿Qué descubriste sobre ti al hacer doblaje en películas animadas?
Es curioso, casi nunca lo pienso. Entré sin saber mucho, pero con respeto. Hay actores que dominan ese arte. Yo fui aprendiendo.
El doblaje te lleva a usar sentidos de forma distinta. La voz se vuelve lo central. Es como volver a la infancia, cuando leía cuentos en voz alta, haciendo personajes desde la emoción.
Fue un reto, pero lo disfruté. Con cada proyecto gané más confianza. Y hacerlo en películas como Ferdinand fue un regalo. Me encantan los toros, y el mensaje de esa historia me pareció hermoso. Creo que las acciones en la ficción también transforman. Lo que se dice ahí ya se sembró en la conciencia.
Ferdinand también habla de nuevas sensibilidades masculinas.
Totalmente. Y empieza desde los niños.
¿Qué aprendiste al trabajar con Tom Hanks? ¿Es muy distinto rodar en Estados Unidos?
En esencia, el cine es cine donde sea. Claro, hay diferencias culturales, pero todos seguimos el mismo arte. Yo admiro mucho a los crews mexicanos, son profesionales y cálidos. En esa producción, un técnico me dijo que trabajar en México había sido de sus mejores experiencias. Eso me llenó de orgullo.
Trabajar con Tom Hanks fue hermoso. Podría haberse limitado a hacer sus escenas, pero no. Me invitó a su casa a repasar sus líneas. Rita (Wison) y Tom me hicieron comida, ensayamos… Fue generoso, humilde. Él tiene una sensibilidad muy viva. Es horizontal: no actúa desde arriba ni desde un pedestal. Y eso lo hace aún más grande. Escuchar un monólogo suyo en un café, sentir esa entrega, fue un regalo.
