“El cine es una especie de gran placer; manía, amor, frustración”, dice Rodrigo García a The Hollywood Reporter en Español. Hace un par de años, el director colombiano incursionó en el cine latinoamericano con Familia, la primera película que filmó en México. Antes, dirigió la miniserie argentina Santa Evita, pero fue el largometraje protagonizado por Daniel Giménez Cacho, el que lo devolvió a su idioma, a sus orígenes.
Para Rodrigo, quien actualmente vive en Los Ángeles, México —además de Colombia— representa la cuna de su cultura. “Es el mundo en el que crecí; la ciudad de la infancia”, enfatiza. Fue la grandeza y la esencia única de esta metrópoli, así como su caos contenido y sus múltiples matices, lo que incentivó la creación de Las locuras, su nueva cinta.
“La escribí en un mes, hace dos veranos. Es algo que me salió del cuerpo. Luego, seguí reescribiéndola y la filmamos el año pasado. La Ciudad de México es un hervidero y se me antojó trabajar ahí, no solo para escribir los personajes, sino para descubrirlos. No es que no pudiera hacerlo en otros lugares, pero quería un tono mexicano y chilango”, detalla.
En Las locuras, García desarrolló seis relatos de mujeres que abrazan la intensidad y la autenticidad de las emociones humanas cuando se llevan al límite. Ambientada en un día lluvioso —que desencadena una tormenta—, la historia explora los desafíos de las expectativas familiares, las presiones sociales, la determinación por alcanzar la libertad, la valentía y la imposición de una autocensura cuando el mundo nos arroja a sus desafíos.
No es la primera vez que el cineasta construye personajes femeninos complejos, que no recaen en estereotipos o panoramas emocionales poco auténticos. En Con tan solo mirarla, protagonizada por Glenn Close y Cameron Díaz, narró la vida de distintas mujeres, sutilmente entrelazadas, que enfrentan situaciones como la soledad, el deseo, la maternidad y la pérdida.
La psique es el motor narrativo de Las locuras. “Tengo un par de amigos que sufren ataques de bipolaridad; los he visto con ataques de manía. Me fascina e impresiona —no por simplificar el problema, porque lo es— la lucidez y el carisma de quienes atraviesan esa situación. Por otro lado, me interesan las personas cabales, inteligentes y profesionales que pueden perder el sentido. Líderes que logran, en un momento de presión familiar, romántica, profesional o personal, reventar y enloquecer”, explica.
“(La película genera) una comparación de alguien que está sufriendo realmente un brote psicótico, o por lo menos de bipolaridad, con personas que supuestamente no están locas, pero que son capaces de barbaridades mucho más grandes de las que puede hacer Renata, quien está experimentando una crisis”, añade.
Interpretada por la virtuosa Cassandra Ciangherotti, Renata nos da la bienvenida al primer capítulo de Las locuras. De una u otra forma, su historia se conecta con las de quienes conoceremos más adelante: Penélope (Naian González Norvind), Miranda (Ilse Salas), Irlanda (Ángeles Cruz), Soledad (Natalia Solián) y Serena (Fernanda Castillo). A ellas, se suman los papeles de Vicky Araico, Alfredo Castro, Raúl Briones, Mercedes Hernández, Roberto Sosa, Mónica del Carmen, Luisa Huertas, Daniel Tovar, Adriana Barraza, Fernando Cattori y Natalia Plasencia.
“Me gusta repetir actores”, medita el cineasta. “Me atrae la idea que han tenido muchos directores, principalmente de teatro, sobre tener una compañía de intérpretes. Admiro a Adriana, a Luisa, a Alfredo. Ángeles Cruz siempre me ha gustado mucho, y pensé que tenía que trabajar en algo que ella se mereciera. De Familia están Ilse, Cassandra, Plasencia, Vicky. Todos, sin excepción, son muy buenos. Es uno de los mejores elencos con los que he trabajado. Solián y Naian, por ejemplo, me enseñaron lo que significa ser una mujer joven en la Ciudad de México”.
Las locuras es una película que desencadena una catarsis, no solo para los personajes que enfrentan sus propios abismos, sino también para los espectadores, quienes acompañan ese viaje emocional y encuentran, quizá, un espejo de sus propias heridas. “Para mí, trabajar con personajes femeninos es exótico. No soy una mujer, y eso ya me coloca en otro lugar, pero es un viaje que siempre me gusta tomar. Lo hago inconscientemente”, aclara Rodrigo.
“Este verano trabajé en un guion y, cuando me di cuenta, otra vez eran mujeres. Nunca pienso sobre qué mujeres voy a escribir, pero comienzo a contar la historia y se juntan. Por supuesto, los personajes comparten ciertas problemáticas por su contexto, aunque trato de no pensar en términos, temas o traumas. Por ejemplo, una psiquiatra que me asesoró, me dio a entender que en la historia de Irlanda se idolatraba a la figura masculina: Dios Padre, el padre muerto, el exmarido. Se le pide que sea una ‘esposita’. Todo es patriarcado”.
Y agrega: “En el caso de Renata, yo creo que nos asustan las mujeres fuera de control, sobre todo a los hombres. A los hombres fuera de control podemos manejarlos, ignorarlos, pelearnos con ellos, pero las mujeres nos aterran. En nuestra cultura machista —que es nuestra, del planeta Tierra—, una mujer que sabe exactamente lo que quiere: profesional, sentimental, emocional o sexualmente; reta a los hombres. Decimos: ‘Es una loca que está fuera de control’ o ‘Cálmate’, una de las palabras más ofensivas, solo porque ella quiere hacer lo que quiere”.
Cada historia cobra vida como un relato autónomo, con su propio entorno, estética y alma. Sin embargo, se entrelazan en una narrativa ingeniosamente construida. “Es parte del juego. Por ejemplo, la música de la película es un tanto operática, con algo del gran guiñol. No busca ser irrespetuosa, sino retratar lo excéntrico, así como los comportamientos y decisiones de los personajes. Los capítulos llevan títulos literarios, únicamente para subrayar que se trata de una función compuesta por distintas tramas”.
Por supuesto, al tratarse de emociones que rebasan los límites, el reparto logra configurar —de la mano del cineasta— interpretaciones magistrales. Desde sus inicios en el séptimo arte, Rodrigo García destacó por escribir y dirigir sus propios proyectos. Como él mismo señala, “el guion es el pedazo de dirección más grande que le puede otorgar a un actor”, razón por la cual, prefiere intervenir solo en los aspectos esenciales de la actuación.
“Respondo las preguntas que me hacen durante las lecturas del guion, pero si los personajes les funcionan, les interesan y les parecen complejos, entonces debemos permitir que trabajen desde su subconsciente. Hay una parte del trabajo artístico que se construye con inteligencia, oficio y experiencia, y otra que surge desde lo más profundo. Pienso que, si les digo demasiado a los actores, corro el riesgo de bloquear esa dimensión, y terminan haciendo solo lo que yo propuse. Por ejemplo, para mí —lo digo como aficionado— la manía se expresa de cierta manera, pero no sabía cómo iba a ser Renata. Sabía cómo se comportaba y qué decía, pero no el tono específico”, narra, mientras recuerda el momento en que presenció la personificación de Cassandra.
“No quise interactuar antes. Era un trabajo tan intenso, que ella no lo iba a hacer hasta que la cámara corriera. ¿Para qué ensayábamos? Era un poco arriesgado, pero decidí verlo cuando estuviera en escena y creo que lo hizo muy bien. Lo mismo pasó con Natalia Solián, con Naian y, en general, con todas las actrices. Les di su espacio, pude aportar algunas ideas, pero realmente ellas construyeron los personajes. Yo los escribo, ellas los interpretan, y en el set reacciono a lo que hacen”.
Este aspecto se reforzó con el guion, principalmente, a través de diálogos profundos, dotados de una expresividad literaria y una simbología significativa. “Curiosamente, lo que siempre se me dificulta más, y lo que a mi juicio es un reto, más que las escenas y los diálogos, es la estructura”, revela el director. “Pensar en las historias, sus personajes, cómo se entrelazan y mantener el tema central de la pérdida del control, fue el proceso más laborioso. Finalmente, son los conflictos, y los cinco o siete momentos determinantes de la trama, lo más importante. Siempre he escrito mis guiones. Me preguntan si he pensado en escribir cuentos, novelas o teatro, pero, con la excepción del libro que escribí sobre mis padres, todas las ideas que tengo son imágenes y sonido. El cine hace cosas que solo el cine puede hacer”, puntualiza.
Lo cierto es que el cine de Rodrigo García trasciende fronteras. Las locuras es una historia coral, enmarcada en un contexto latinoamericano, pero con una esencia que puede resonar en cualquier parte del mundo. “Me gustó volver a las historias cortas. Hice muchas al principio, pero es difícil porque hay que contar mucho en poco tiempo. Hay algo en la variedad de historias y tramas que le da riqueza a las películas”, comparte. Más allá de los formatos y los géneros, el realizador también explora las relaciones humanas como parte esencial de su cinematografía.
“Ya sean románticas o familiares, entre padres e hijos, amantes o parejas, las interacciones humanas son un terreno infinitamente explorable”, declara. “La primera historia fue de Adán y Eva. Está Ana Karenina o La Odisea, incluso las telenovelas. Todo parte de la exploración de las relaciones humanas, por eso no puedo evitar hacer las películas lo más contenidas posibles. Todos tenemos que vivir un poquito así, porque si hiciéramos lo que pide el alma, el corazón, el cuerpo o la cabeza, no podríamos existir con los demás. Eso es lo que Freud llamaba: el malestar en la cultura. En Las locuras, el eje es la cordura, la represión, el tener que manejarse uno mismo”, concluye.
Mira en exclusiva el tráiler oficial de Las locuras, la nueva cinta de Rodrigo García, disponible el 20 de noviembre en Netflix.
