En 2024, el cine continuó su difícil proceso de recuperación tras la pandemia. Este se ha visto entorpecido por una cartelera que ha adelgazado drásticamente, debido a las huelgas de guionistas y actores del año anterior; la lista de estrenos de verano estuvo particularmente anémica. El panorama pareció mejorar con la abundancia de estrenos de principios de invierno, encabezada por Wicked, Moana 2 y Gladiator II, pero la taquilla parece arrojar una cifra anual muy inferior a los ingresos de 2023.
Los estudios de animación también volvieron a la carga: Inside Out 2, Mi villano favorito 4 y Moana 2 de seguro aparecerán entre las cinco primeras. Y ntre las favoritas de la crítica, Flow y El robot salvaje se enfocaron en el reino animal en busca de esperanza para un planeta que se desmorona, mientras que esta última también proporciona un bálsamo reconfortante para la ansiedad que puede estar generando la inteligencia artificial. Y la magia artesanal de la animación stop-motion regresó con Memorias de un caracol y Wallace & Gromit: La venganza se sirve con plumas.
El éxito de Deadpool & Wolverine demostró que los reportes sobre el declive del MCU pueden ser algo apresurados. Pero un vistazo a los que probablemente serán los 10 títulos más taquilleros del año pone de manifiesto la aversión de Hollywood a arriesgarse con material original. Todos los títulos, salvo uno, son secuelas o spinoff, y esa excepción (Wicked) se basa en una superproducción de Broadway que lleva 21 años acumulando reconocimiento de marca.
El terror mantuvo su poder de atracción en los cines, encabezado por Longlegs y Smile 2, con la bien valorada Nosferatu a punto de llegar para Navidad. Sin embargo, la taquilla especializada sigue teniendo dificultades, ya que la mayoría de los espectadores de más edad parecen haberse aferrado al streaming.
Una notable excepción a esta tendencia a la baja en el cine para adultos fue Conclave, que convirtió unas elecciones papales en un inesperado y jugoso thriller político realzado por un reparto superior que incluye a Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow e Isabella Rossellini.
Un conjunto estelar también se lució el estreno en cines —aunque considerablemente más pequeño— de Sing Sing, encabezado por Colman Domingo como miembro de un grupo de teatro de la prisión. El drama profundamente empático adquiere una conmovedora autenticidad gracias al reparto de alumnos del programa de rehabilitación, especialmente Clarence Maclin, en lo que podría ser un papel estelar.
Otro de los conjuntos más destacados del año fue el de Carrie Coon, Natasha Lyonne y Elizabeth Olsen en Las tres hijas, la irónica pieza de cámara de Azazel Jacobs sobre unas hermanas medio distanciadas que se vuelven a reunir ante la inminente muerte de su padre. Las actrices que interpretan a tres mujeres de temperamentos totalmente diferentes obligadas a encontrar un punto en común en la tristeza no podrían ser mejores, y se encogen de hombros ante los clichés habituales del drama indie en una película que se caracteriza tanto por el humor punzante como por la ternura.
Las óperas primas siguen siendo un buen augurio para una nueva generación de cineastas. Entre ellas destaca la adaptación formalmente inventiva y emocionalmente desgarradora de la novela de Colson Whitehead Nickel Boys, de RaMell Ross, sobre dos presos en un reformatorio inhumano en el sur de Jim Crow.
Entre otros estrenos notorios se encuentran el luminoso replantamiento del drama Janet Planet de la dramaturga Annie Baker, ganadora del Pulitzer; el fascinante microrretrato de un momento revelador de la adolescencia tardía de una joven de India Donaldson, Good One; la encantadora y semiautobiográfica historia de madurez asiáticoestadounidense de Sean Wang, Didi; el impactante drama de boxeo de la directora de fotografía Rachel Morrison, The Fire Inside; y la subversiva parodia no autorizada de un supervillano queer de Vera Drew, The People’s Joker.
Sigue leyendo para conocer mi clasificación de las 10 mejores, seguida de 10 menciones honoríficas ordenadas alfabéticamente, y las de mis valiosos colegas del equipo de crítica, Lovia Gyarkye y Jon Frosch. —DAVID ROONEY
1. All We Imagine as Light
El trascendente debut narrativo de Payal Kapadia muestra sus raíces en el documental, ya que sus primeros planos examinan la expansión metropolitana de la moderna Mumbai nocturna. Fragmentos de conversaciones la definen como una ciudad de trasplantes, muchos de los cuales muestran con nostalgia las vidas que dejan atrás. La guionista y directora se centra en dos enfermeras que comparten apartamento. Prabha, interpretada por Kani Kusruti con una conmovedora profundidad en la que uno podría ahogarse, dirige la sala de obstetricia con enérgica eficacia y se va sola a casa para reflexionar sobre el valor de su matrimonio con un marido ausente desde hace tiempo. Su compañera más joven, Anu (Divya Prabha), se toma la vida con menos seriedad, provocando un escándalo por su relación clandestina con un musulmán. Cuando una colega de mayor edad (Chhaya Kadam) toma el desahucio como una señal para abandonar Bombay, las dos enfermeras la acompañan de vuelta al pueblo costero donde creció. De una manera discreta, ese cambio de lugar resulta transformador para las tres, aportándoles paz y un sentimiento de comunidad plasmado en un plano final que es poesía pura.
2. Queer
Como un navegante del deseo, la nostalgia y la sensualidad melancólica, Luca Guadagnino alcanza su máximo esplendor en esta adaptación metamorfa de la novela semiautobiográfica de William S. Burroughs. Convertida por el escritor Justin Kuritzkes en una historia de fantasmas retroactiva, la película pasa de los juegos del gato y el ratón a la obsesión romántica, de la agonía de la adicción a la abstracción alucinógena y, finalmente, a desentrañarse en el abismo de la soledad. Para un gay de cierta edad, eso podría ser el Vía Crucis. En una interpretación conmovedora, seductora, impulsiva y atormentada, un excelente Daniel Craig se entrega al alter ego de Burroughs, Lee, un yonqui en la Ciudad de México posterior a la Segunda Guerra Mundial. Es un borracho refinado que no se siente cómodo con su atracción por un joven de “belleza americana”, interpretado por Drew Starkey con encanto y evasión. Filmada en los famosos estudios Cinecittà de Roma, Queer tiene el aire ensoñador y no del todo realista de una película creada en platós, pero su descripción del anhelo —de conexión, de liberación, de olvido— es cruda y real.
3. The Brutalist
El tercer largometraje del actor convertido en director Brady Corbet, coescrito con su socia Mona Fastvold, es una obra magna en todos los sentidos. A lo largo de tres horas y media con un intermedio, el drama sinfónico sigue la trayectoria ascendente y descendente del brillante arquitecto judío húngaro László Tóth, interpretado por Adrien Brody fusionando el dolor lacerante de un superviviente del Holocausto con la temeridad arrogante de un artista intransigente. Guy Pearce también realiza uno de sus mejores trabajos como un poderoso industrial que ofrece a Tóth la oportunidad de alcanzar “el sueño americano”, hasta que el arquitecto se sobrepasa y se ve obligado a recordarle que nunca serán iguales. La epopeya tiene un alcance, una magnitud y un peso temático que parecen pertenecer a una época perdida del cine.
4. La Chimera
En The Wonders y Lazzaro feliz, Alice Rohrwacher comenzó a recorrer los pasillos del pasado de Italia a través de comunidades idiosincrásicas que milagrosamente sobreviven en el presente. Completa un tríptico informal con esta historia lírica, divertida y seductoramente extraña de una banda de ladrones de tumbas, “tombaroli”, que saquean antigüedades etruscas para venderlas. Un soberbio Josh O’Connor es el inglés al que atribuyen poderes místicos de adivinación, y está afligido por un amor perdido, cuya excéntrica madre Flora (interpretada por la gloriosa Isabella Rossellini) sigue creyendo que su hija cruzará la puerta de la villa. El cariño mutuo de estos dos personajes caldea el estado de ensoñación de una película impregnada de folclore, mitología y superstición, que desenrolla el delicado hilo entre la vida y la muerte.
5. Mi única familia
Casi tres décadas después de su memorable colaboración en Secretos y mentiras, Mike Leigh da el papel de su vida a Marianne Jean-Baptiste. Su personaje, Pansy, es una londinense cuya decepción, depresión y trauma se han calcificado en una rabia que todo lo consume. Su marido y su hijo de 22 años intentan evitarla en su estéril hogar de clase media, y solo su hermana menor Chantelle (Michele Austin), una alegre peluquera que es tan cálida, paciente y compasiva como Pansy es gruñona, se niega a dejarse disuadir por su hostilidad. El famoso proceso de colaboración de Leigh, en el que desarrolla la historia y los personajes con sus actores durante un largo periodo de ensayos, da sus frutos en una protagonista cuyas diatribas explosivas son hilarantes y agotadoras a la vez. La perspectiva de pasar más de 90 minutos con la furia de Pansy puede ser inicialmente desalentadora. Pero, de manera casi imperceptible, la generosidad humanista del director altera la perspectiva, invitándonos a sentir el dolor bajo la armadura del personaje y revelando que la película es una reflexión punzante del valor de la empatía.
6. Anora
Uno de los puntos fuertes de las películas de Sean Baker es que el guionista y director se niega a juzgar incluso a sus personajes más desordenados y duros. Y pasa lo mismo con la trabajadora sexual de Brooklyn que da título a esta cinta ganadora de la Palma de Oro de Cannes, interpretada por Mikey Madison con una dulzura encantadora, un pragmatismo transaccional y una ferocidad cuando se ve acorralada. En un entorno marginal, la historia de Cenicienta se convierte en una comedia enredada a partir de la impulsiva decisión de Anora de casarse con Ivan (el personaje de Mark Eydelshteyn), un drogadicto infantil que resulta ser el hijo de un oligarca ruso. Cuando sus padres envían a un matón a recoger a Ivan y anular el matrimonio, Anora se muestra poco dispuesta a cooperar. Poco a poco, el humor da paso a una conmovedora persistencia en su dolorosa experiencia y, especialmente, en sus interacciones con el maravilloso Igor de Yura Borisov, uno de los matones rusos enviados para someterla, pero que muestra una inesperada amabilidad.
7. Flow
El talentoso animador letón Gints Zilbalodis creó magia artesanal con tecnología digital en esta trepidante y experimental aventura de supervivencia ambientada tras una inundación cataclísmica. Las ruinas semisumergidas insinúan la extinción de la humanidad sin llegar a la distopía en una cautivadora fábula que se desarrolla sin diálogos, únicamente con una partitura expresiva y los sonidos elementales de un nuevo y extraño mundo acuático. En el centro de la historia hay un gato con ojos de platillo que se sube a bordo de un velero destartalado y se encuentra compartiendo habitación con un carpincho extremadamente tranquilo, un labrador adorablemente torpe, un lémur que se dedica a coleccionar objetos brillantes y un intimidante pájaro secretario que no se mete en sus asuntos. A medida que este improbable grupo de animales descubre los beneficios de la confianza mutua, la cooperación y la comunidad, esta película única en su género se convierte en una lección de lucha compartida, y un recordatorio de que todos nos necesitamos si queremos superar los tiempos difíciles que nos aguardan.
8. Aún estoy aquí
La primera película de Walter Salles en su Brasil natal en 16 años aporta una mirada íntima y nada sentimental a la estremecedora historia real del exdiputado Rubens Paiva, quien fue sacado de su casa de Río de Janeiro en 1971 para ser interrogado por la dictadura militar, y jamás se le volvió a ver. Ante la negativa de la Junta a confirmar su detención, su familia vivió durante años en una incertidumbre paralizante. Pero la tragedia galvaniza a la esposa de Rubens, Eunice, a quien Fernanda Torres dota de una conmovedora gracia, dignidad y un discreto heroísmo. Mientras cría a sus cinco hijos, va a la universidad y se licencia en Derecho a los 48 años, convirtiéndose en una tenaz activista cuyas causas incluyen el pleno reconocimiento por parte de las autoridades de los desaparecidos, como su marido, una vez restablecida la democracia. Para aumentar la carga emocional del drama, la anciana y enferma Eunice es interpretada hacia el final de su vida por la madre de Torres, Fernanda Montenegro, la inolvidable estrella del gran éxito internacional de Salles en 1998, Central Station.
9. Nosferatu
¿Hay todavía sangre fresca que extraer de la leyenda del vampiro que comenzó con la novela de terror gótico de Bram Stoker de 1897, Drácula? Robert Eggers ofrece una respuesta decisiva con este apasionante proyecto que nada entre las sombras tenebrosas del clásico mudo de 1922 del maestro expresionista alemán F.W. Murnau, al tiempo que forja su propio camino escalofriante. Con algunos de los efectos visuales más fascinantes del año y suntuosos elementos de diseño, por no mencionar las fascinantes interpretaciones de Bill Skarsgard, Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult y Willem Dafoe, esta es una película poseída, que sumerge al espectador en una atmósfera asfixiante, un miedo solemne y un erotismo que da náuseas, a la vez que nos pilla desprevenidos con ingenioso toque de un camp diabólico. El grotescamente bello plano final te dejará sin aliento.
10. A Real Pain
El segundo largometraje de Jesse Eisenberg como director es una mezcla que realmente no debería cohesionarse, una película de viaje por carretera de una pareja dispareja muy divertida que se acerca sigilosamente y te golpea; un golpe emocional que te dejará tambaleándote. Al aportar cierta ligereza a situaciones que van desde el humor incómodo a la tristeza indescriptible, se trata de una obra de una profundidad y madurez impresionantes. Eisenberg interpreta a David, un neoyorquino ligeramente tenso que trabaja en ventas de publicidad digital y que invita a su primo Benji, desempleado y medio distanciado, a que le acompañe en un viaje por Polonia para visitar la casa ancestral de su abuela, recientemente fallecida. Kieran Culkin interpreta a Benji, un tipo sin filtro que nunca ha hecho un comentario inapropiado que no le gustara, con una despreocupación que resulta atractiva y enloquecedora. El actor revela la vulnerabilidad de su personaje con una habilidad impresionante, hasta llegar al naufragio emocional de una aleccionadora visita al campo de concentración de Majdanek.
Menciones honoríficas (en orden alfabético): Babygirl, Challengers, Dahomey, El mal no existe, Frontera verde, Nickel Boys, No Other Land, The Seed of the Sacred Fig, Small Things Like These.
El Top 10 de Jon Frosch
1. Frontera verde
2. The Brutalist
3. All We Imagine as Light
4. A Real Pain
5. A Complete Unknown
6. Emilia Pérez
7. Babygirl
8. Jurado Nº 2
9. Las tres hijas
10. Mi única familia
Menciones honoríficas (en orden alfabético): Anora, La bestia, Challengers, El último verano, Nicker Boys, No Other Land, Nosferatu, La habitación de al lado, The Seed of the Sacred Fig, Zurawski v Texas.
El Top 10 de Lovia Gyarkye
1. All We Imagine as Light
2. Nickel Boys
3. No Other Land
4. El mal no existe
5. Mi única familia
6. La Chimera
7. Dahomey
8. Aún estoy aquí
9. Nosferatu
10. Sugarcane
Menciones honoríficas (en orden alfabético): Babygirl, The Fire Inside, Flow, La chica de la aguja, In the Summers, Queer, The Seed of the Sacred Fig, Banda sonora para un golpe de estado, El sindicato, Robot salvaje.
