Tras el saludo al estilo de Hitler de Elon Musk en la investidura de Donald Trump—un gesto que desató indignación y reavivó la conversación cultural sobre el preocupante resurgimiento del fascismo—no hay mejor momento para revisar los exámenes más impactantes del cine sobre el autoritarismo, la resistencia y el costo humano de la tiranía.
Esta lista reúne películas de todo el mundo, abarcando décadas y géneros, que nos recuerdan los peligros del poder sin control.
Si bien obras maestras como La lista de Schindler y El hijo de Saúl abordan profundamente el Holocausto—la expresión más atroz en la historia de las consecuencias del pensamiento fascista—y películas bélicas como Los doce del patíbulo y Resistencia retratan vívidamente la lucha militar contra el nazismo, hemos decidido dejarlas fuera de nuestra lista para centrarnos en películas que exploran la ideología del fascismo en sí misma: los sistemas, creencias e impactos sociales que permiten que los regímenes autoritarios surjan y prosperen.
Desde la sátira clásica de Chaplin en El gran dictador hasta las brutales provocaciones de Pasolini en Saló, desde el apartheid alienígena alegórico de Distrito 9 y el militarismo burlesco de Starship Troopers hasta la comedia absurda de Jojo Rabbit, estas películas no solo son relatos de resistencia, sino también audaces exploraciones del poder y sus efectos corrosivos en la sociedad. Sumérgete en ellas para recordar, reflexionar y resistir.
AMERICAN HISTORY X (1998)
Si Derek Vinyard—el furioso y violento neonazi interpretado por Edward Norton en la exploración de Tony Kaye sobre la ideología supremacista blanca—existiera hoy, sería un Proud Boy recién indultado por Trump por los delitos del 6 de enero. En la película, es condenado por asesinato tras ejecutar brutalmente a un hombre negro que intenta robar su coche y, en la cárcel, experimenta una improbable conversión gracias a un santo compañero de celda negro, interpretado por Guy Torry con un equilibrio de carisma, humor y sabiduría. No es una película sutil, y los críticos han señalado su obsesión con la violencia cinematográfica bellamente filmada, el mismo tipo de violencia que la historia supuestamente repudia. Pero en las escenas en las que Derek y sus compañeros neonazis se vinculan—solitarios, inseguros y desesperados por pertenecer a algo más grande que ellos mismos—American History X se siente aterradoramente premonitoria.
L’ARMÉE DES OMBRES (1969)
Jean-Pierre Melville, un antiguo combatiente de la resistencia, reconstruye la invasión alemana de París en la toma de apertura de su obra maestra de 1969, mientras soldados nazis desfilan bajo el Arco de Triunfo. Lo que sigue es quizás la mejor película jamás realizada sobre la sensación de vivir bajo el fascismo. Melville retrata el coraje y la heroicidad de la Resistencia francesa—muchos personajes de la película, adaptada de la novela de Joseph Kessel, están basados en luchadores reales—pero se niega a embellecer sus tácticas, que recuerdan a los gánsteres de sus películas posteriores. En una escena temprana, tres miembros de la Resistencia estrangulan a un traidor con una toalla—dispararle haría demasiado ruido—y Melville alarga la escena de manera insoportable, mostrando el verdadero costo del heroísmo y la guerra, y cómo quienes luchan contra un sistema monstruoso a menudo terminan convirtiéndose en monstruos ellos mismos.
BRAZIL (1985)
El autoritarismo no solo es aterrador. También es muy, muy aburrido. La versión de 1984 de Terry Gilliam, una pesadilla psicodélica, sigue a Sam Lowry (Jonathan Pryce), un engranaje de nivel medio en la máquina aplastante de espíritu (y, a menudo, de huesos) de una burocracia totalitaria. Superficialmente, una sátira del estalinismo soviético, un visionado moderno revela un mundo aun escalofriantemente relevante en el que el abuso tecnológico tiene consecuencias mortales—un simple error tipográfico provoca que un hombre inocente sea torturado y asesinado—y los medios de comunicación optimistas minimizan cualquier resistencia al régimen. “Los terroristas”, bromea un analista de televisión, “simplemente no soportan ver a los demás ganar”. En el personaje de Robert De Niro, Archibald “Harry” Tuttle—un ingeniero de calefacción y luchador por la libertad independiente—Gilliam nos dio un héroe antifascista para la eternidad.
CABARET (1972)
Los paralelismos entre el ascenso del fascismo en el Berlín de los años 30 y las realidades de la América actual pueden hacer que Cabaret sea un visionado incómodo. El clásico musical de Bob Fosse, ganador de ocho premios Óscar, y su mensaje sobre cómo el cinismo, la ironía y la complacencia permiten el racismo y el extremismo, sigue siendo aterradoramente relevante.
“¿Todavía crees que puedes controlarlos?”, pregunta el erudito británico Brian Roberts (Michael York) al aristócrata Baron von Heune (Helmut Griem), quien, sonando como un republicano del Congreso en 2016, inicialmente desestima a los nazis como “una pandilla de matones estúpidos”.
Como la artista del Kit Kat Club Sally Bowles, Liza Minnelli ofrece una interpretación magistral de la disociación y el autoengaño, tocando (o cantando y bailando) mientras Roma arde.
“El ascenso democrático de un líder autoritario, la normalización de la intolerancia, la complicidad de las masas aterrorizadas… Hemos visto este espectáculo antes”, escribió recientemente Joel Grey, quien interpreta al cínico maestro de ceremonias de Cabaret, en The New York Times. “La historia nos está dando otra oportunidad para confrontar las fuerzas contra las que Cabaret nos advirtió. La pregunta es: ¿Escucharemos esta vez, o seguiremos riendo hasta que la música se detenga?”
CASABLANCA (1942)
El clásico romántico de Michael Curtiz fue diseñado explícitamente como propaganda antifascista. Ambientado en 1941, cuando Estados Unidos todavía era neutral en la Segunda Guerra Mundial, pero estrenado en noviembre de 1942, cuando las tropas estadounidenses se unieron a las fuerzas aliadas en la liberación del norte de África, Casablanca es una historia de transformación.
Rick Blaine (Humphrey Bogart en su interpretación más legendaria) pasa de ser un aislacionista a un devoto luchador de la resistencia. Bogart representa la visión que tenía América de sí misma: un salvador renuente. Rick preferiría mantenerse al margen de la crisis en Europa—”No meto el cuello por nadie”—pero su decencia básica lo obliga a tomar una decisión moral.
Cuando el destino de la humanidad está en juego, los deseos individuales, en la forma de su amor por Ilsa (Ingrid Bergman, resplandeciente), “no valen ni una colina de frijoles en este loco mundo”.
COME AND SEE (1985)
La única película que Musk—o cualquiera que piense que los juegos de palabras sobre Hitler o los saludos nazis son graciosos—debería ver.
Olvídate de las representaciones camp o pop del fascismo, olvídate de todas las alegorías sutiles. La visión del director soviético Elem Klimov sobre las atrocidades nazis en Bielorrusia es directa e implacable, sin ofrecer alivio ni escapatoria. Sigue a un adolescente bielorruso que se une a los partisanos soñando con heroísmo y aventura, pero solo encuentra devastación y horror.
Basada parcialmente en testimonios de testigos supervivientes, la película de Klimov se muestra a través de la perspectiva traumatizada de su joven protagonista. Es casi insoportable. Pero ninguna otra película revela con tanta claridad la bancarrota moral de la expansión fascista.
IL CONFORMISTA (1970)
Tan impactante y original hoy como el día en que se estrenó—Spielberg, Coppola y Scorsese la citan como una gran influencia—la obra maestra visualmente deslumbrante y psicológicamente inquietante de Bernardo Bertolucci sigue siendo la acusación cinematográfica más poderosa contra el conformismo.
Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant) se une a los fascistas de Mussolini únicamente por miedo a sobresalir. Durante un viaje en coche—camino a asesinar a su viejo mentor, un profesor universitario antifascista—saltamos en el tiempo a distintos momentos de su vida. La narración no lineal de Bertolucci refleja la psique fracturada de Marcello, mientras lidia con la culpa, la represión y la rabia.
DESPAIR (1978)
El impacto cotidiano del fascismo fue un tema recurrente en la vasta filmografía de Rainer Werner Fassbinder, desde la cantante de Lili Marleen, atrapada entre su amante judío y su carrera respaldada por los nazis, hasta el criminal de Berlín Alexanderplatz, que intenta reformarse en una sociedad que se encamina hacia el mal.
Su primera gran producción en inglés, adaptada de una novela de Vladimir Nabokov con guion de Tom Stoppard, casi ha sido olvidada. Protagonizada por Dirk Bogarde como un emigrante judío ruso en la Alemania de los años 30, la película sigue su colapso mental al ver el ascenso del nazismo. En un giro macabro del cine negro, idea un plan absurdo para cobrar un seguro de vida asesinando a un extraño al que cree (erróneamente) su doble exacto.
Una versión retorcida del clásico doppelgänger, es un argumento potente de que la locura puede ser la única respuesta cuerda en un mundo enloquecido.
DISTRICT 9 (2009)
Con el respaldo de Peter Jackson, Neill Blomkamp irrumpió en la escena cinematográfica en 2009 con esta ingeniosa combinación de mockumentary y película de ciencia ficción, dándole la vuelta al clásico relato de invasión alienígena.
En lugar de preguntar qué nos harían los extraterrestres a nosotros, Blomkamp pregunta qué horrores les infligiríamos si tuviesen la mala suerte de aterrizar en nuestro planeta tribal y ensangrentado.
La historia sigue una operación militar para reubicar el campamento de refugiados de los alienígenas—vistos como una carga repugnante y foránea—en una clara referencia al desalojo de los residentes no blancos del Distrito Seis de Ciudad del Cabo durante el apartheid. Sin embargo, la película es igual de aplicable a la situación de inmigrantes y desplazados en nuestra época inhumana.
EL CONDE (2023)
Augusto Pinochet, quien gobernó Chile con incontables violaciones a los derechos humanos entre 1973 y 1990, ha sido una presencia fantasmal en gran parte del cine de Pablo Larraín (Tony Manero, Post Mortem, No). Pero con El Conde, el cineasta chileno finalmente lo colocó en el centro.
Descrita por The Hollywood Reporter como un “salto salvaje hacia la irreverencia”, Larraín reimagina al dictador como un vampiro de 250 años que fingió su propia muerte y sigue acechando a la humanidad.
Ven por la sátira política al estilo de Dr. Strangelove y quédate por la exquisita cinematografía en blanco y negro de Ed Lachman. Sobre si el filme tiene resonancia fuera de Chile, Larraín bromeó en una entrevista con THR: “Bueno, si Trump es un vampiro, la buena noticia para mí es que es el de ustedes, no el mío. Nosotros ya estamos lidiando con el nuestro”.
THE EMPIRE STRIKES BACK (1980)
Todo está en la ingeniosa música de John Williams, La marcha imperial.
Aquí camina el arquetipo fascista por excelencia: una figura enmascarada y mecanizada, cuya mera existencia simboliza la deshumanización del poder autoritario.
Sí, la primera Star Wars presenta a la Alianza Rebelde y a los héroes individualistas que luchan contra la dominación imperial. Pero El Imperio contraataca, con su oscuro desenlace, encaja mejor con el clima político de 2025, donde la ultraderecha parece estar en ascenso en todas partes.
EUROPA EUROPA (1990)
Muchas películas—incluidas varias en esta lista—retratan a quienes resisten el poder autoritario. Pero son más raras las historias de quienes deben adaptarse a un sistema totalitario para sobrevivir.
En este increíble—e increíblemente cierto—relato, Agnieszka Holland sigue a Solomon Perel, un niño judío alemán que escapa a Polonia en los años 30 para evitar la persecución nazi, solo para terminar navegando entre dos regímenes totalitarios.
Perel sobrevive la Segunda Guerra Mundial haciéndose pasar por soviético en un orfanato y luego como un miembro ejemplar de la Hitlerjugend.
La vida de Perel—sobrevivió cuando su familia fue casi exterminada—parece una gran broma cósmica, y la película de Holland ilustra la absurda arbitrariedad de la ideología racial fascista.
EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014)
Al entrelazar la historia de un hotel europeo con la ascensión del nazismo, Wes Anderson ofrece su credo personal más cercano.
Sus preocupaciones recurrentes—la nostalgia, la estética artesanal, la ironía—adquieren un nuevo significado: representan todo lo valioso y digno de ser preservado en un mundo a menudo feo y turbulento.
Como declara Ralph Fiennes en su papel de Gustave H., el conserje esteta del hotel: “Todavía quedan débiles destellos de civilización en este matadero bárbaro que alguna vez se llamó humanidad. De hecho, eso es lo que proporcionamos en nuestro modesto, humilde, insignificante… ah, que se joda.”
EL GRAN DICTADOR (1940)
Según historiadores del cine, Charlie Chaplin decidió hacer El gran dictador tras ver El triunfo de la voluntad de Leni Riefenstahl en el Museo de Arte Moderno de Nueva York a finales de los años 30. Así comenzó el mayor enfrentamiento cinematográfico del siglo XX.
Posiblemente la sátira más influyente de Hollywood fue también la primera película hablada de Chaplin y la más exitosa de su carrera.
Chaplin interpreta dos papeles: un despiadado dictador fascista y un barbero judío que es confundido con él.
El filme galvanizó el sentimiento popular estadounidense contra Alemania antes de la entrada oficial de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial y se convirtió en un inesperado grito de resistencia en la Europa ocupada.
Sin embargo, años después, Chaplin expresó dudas sobre la película en su autobiografía: “Si hubiera sabido de los horrores de los campos de concentración, nunca habría hecho una burla de la locura homicida de los nazis.”
THE HOST (2006)
Combinando la tradición de Godzilla con comedia negra y un melodrama familiar conmovedor, Bong Joon-ho nunca ha sido tan spielbergiano como en The Host, creando un monstruo cinematográfico para la eternidad, pero con mucho más que puro espectáculo en mente.
Después de que un médico militar estadounidense ordena verter galones de formaldehído en el río Han de Seúl, surge una criatura gigantesca y letal. La historia se centra en la familia Park, de clase baja, cuya hija es secuestrada por el monstruo y llevada a su guarida.
Pero lo verdaderamente aterrador no es la bestia, sino la respuesta del gobierno al desastre: cuarentenas arbitrarias, manipulación mediática, restricciones a las libertades individuales e histeria colectiva.
Si Parasite examinó el capitalismo a través del prisma de una familia de estafadores, The Host muestra cómo un aparato estatal puede llegar a ver a su propio pueblo como una amenaza que necesita ser controlada o eliminada.
IDA (2014)
Uno de los muchos temas que resuenan en la devastadora obra maestra de Pawel Pawlikowski es el papel de la memoria —tanto pública como privada— en la perpetuación de la violencia autoritaria.
La historia transcurre en la Polonia de los años 60. Anna, una joven novicia, está a punto de tomar sus votos, cuando la envían a conocer a su única pariente viva, su tía Wanda.
Wanda, una ex combatiente comunista que ahora es una jueza del régimen, le revela una verdad desgarradora: Anna es en realidad Ida Lebenstein, una niña judía que fue escondida por cristianos de los nazis, solo para ser traicionada y perder a sus padres. La tía y la sobrina inician un viaje por la Polonia rural para descubrir qué ocurrió realmente.
Rodada en un impresionante blanco y negro y en el formato de la Academia que volvería a usar para Cold War, Ida explora cómo el olvido o la distorsión del pasado pueden llevar a repetir los ciclos de violencia estatal, pero no ofrece respuestas fáciles sobre cómo un país puede curarse tras haber abrazado el fascismo.
INDIANA JONES AND THE LAST CRUSADE (1989)
“Nazis. Odio a estos tipos.”
Los cazadores del arca perdida establecieron la pauta, pero La última cruzada la consolidó con esta memorable frase de Harrison Ford.
Con una sola línea, la película logra un gran impacto: es graciosa, revela un giro en la trama (sí, otra vez los nazis) y refuerza un principio fundamental de la franquicia: Indiana Jones está en su mejor momento cuando lucha contra la encarnación del mal absoluto.
¿Recuerdan esos días? Cuando se daba por sentado que los nazis eran despreciables, en lugar de ver oligarcas sudorosos haciéndose virales con saludos hitlerianos.
Spielberg nos regaló un recordatorio perfecto de que la diversión desenfrenada—por definición imposible bajo el fascismo—es la mejor propaganda de la libertad.
INGLOURIOUS BASTERDS (2009)
Quentin Tarantino conoce mejor que nadie la regla de oro de Hollywood (toma nota, Elon…): los nazis siempre son los villanos.
Primera en su trilogía de historias alternativas, Bastardos sin gloria está repleta de momentos inolvidables: Eli Roth como el brutal “Oso Judío”, un impecable Christoph Waltz encarnando el perfeccionismo alemán convertido en pura maldad, y un Goebbels histérico en pleno acto sexual, jadeando como un cerdo enloquecido.
Pero es el final —la masacre de la cúpula nazi dentro de un cine— lo que ofrece la escena más transgresora de Tarantino desde que nos voló la cabeza en 1994 con el accidente en el auto de Pulp Fiction.
JOINT SECURITY AREA (2000)
El primer gran éxito de Park Chan-wook es un thriller político ambientado en la frontera más tensa del mundo: la Zona Desmilitarizada de Corea.
La historia gira en torno a un tiroteo que ocurre en un puesto de guardia entre Corea del Norte y Corea del Sur. A medida que avanza la investigación, se revela que los soldados involucrados en realidad eran amigos, habiendo formado un vínculo secreto durante sus vigilias nocturnas. Cuando un superior descubre la traición, las reglas inquebrantables del conflicto obligan a tomar medidas drásticas, con consecuencias trágicas.
Liderado por Song Kang-ho (Parasite, Memories of Murder), el filme rompió barreras al presentar a un personaje norcoreano con una profundidad humana inédita en el cine surcoreano. “Los norcoreanos siempre eran retratados como demonios o personas desnutridas. Sentí que era importante mostrarlos como seres humanos normales”, dijo Park en una entrevista.
JOJO RABBIT (2019)
Actualizando el concepto de El gran dictador de Chaplin —enmarcar la ideología nazi desde una perspectiva ingenua para ridiculizarla y desinflarla— con su propio estilo de comedia absurda, Taika Waititi entrega una “sátira antiodio” sobre Johannes (Roman Griffin Davis), un niño alemán cuyo amigo imaginario es Hitler (Waititi en modo completamente bufonesco).
Es una idea audaz que da frutos en varias escenas: la yuxtaposición de imágenes de El triunfo de la voluntad con los Beatles cantando en alemán, la representación de Hitler como un ídolo pop—momentos que resultan tan impactantes como divertidos.
Quizás sea demasiado encantadora y dulce para una película sobre el fascismo, pero, a su manera caricaturesca, Jojo Rabbit logra exponer la absurdidad en el núcleo de un sistema maligno.
LEVIATÁN (2014)
El impresionante drama de Andrey Zvyagintsev es una obra maestra opresiva sobre las miserias e injusticias de la Rusia de Vladimir Putin.
A lo largo de una serie de degradaciones brutales, seguimos a Nikolay, un hombre que desafía el esquema corrupto de expropiación de tierras de su alcalde. La cleptocracia se encarga de destruirlo: le quitan su hogar, su familia, su dignidad y, finalmente, su libertad.
Ambientado con la música de Akhnaten de Philip Glass, el filme está cargado de referencias irónicas tanto a la Biblia como a Thomas Hobbes. Pero su sofisticación visual es solo el envoltorio de una crítica feroz a la corrupción autoritaria que ha devorado cada rincón de la vida pública rusa.
THE LIFE OF OTHERS (2006)
Un análisis minucioso de cómo los sistemas autoritarios dependen del miedo y de la colaboración silenciosa para mantenerse en pie, el debut ganador del Óscar de Florian Henckel von Donnersmarck adopta el punto de vista de un agente de la Stasi en Alemania del Este (Ulrich Mühe, fenomenal) que, mientras espía a un artista disidente, experimenta un despertar moral y decide luchar contra el sistema desde dentro.
Un poderoso alegato sobre cómo el arte y la empatía pueden desafiar al poder político.
MEFISTO (1981)
Klaus Maria Brandauer está electrizante en esta película ganadora del Óscar, interpretando a un actor alemán furiosamente ambicioso que ve una oportunidad en el ascenso de los nazis, abandonando su brújula moral a cambio de fama y fortuna.
La visión de István Szabó sobre el pacto fáustico —una adaptación de la novela satírica de Klaus Mann, aparentemente inspirada en su cuñado Gustaf Gründgens, actor y colaborador nazi— resultará incómoda para cualquier figura de Hollywood que se proclamara parte de “la resistencia” después de las elecciones de 2016 y que ahora ha guardado un silencio repentino.
Como muestra Szabó, los sistemas fascistas son expertos en seducir y cooptar a los artistas, haciéndolos cómplices en la legitimación de ideologías totalitarias.
MINORITY REPORT (2002)
El año es 2054. Steven Spielberg está detrás de la cámara y Tom Cruise está huyendo —rápido, como siempre— a través de una intrincada conspiración salida de la mente de Philip K. Dick.
El estado policial domina con un sistema que, supuestamente, detecta el “precrimen” de manera infalible. Tres humanos con habilidades precognitivas únicas flotan en un tanque de suspensión, mientras sus ondas cerebrales son monitoreadas por supercomputadoras que analizan sus pensamientos en busca de indicios de asesinatos premeditados. Cuando se detecta la intención de un crimen, la policía interviene de inmediato para capturar a los futuros perpetradores antes de que el asesinato siquiera ocurra.
Los guantes de Cruise para manipular hologramas —tan memorables y alucinantes en 2002— ya parecen un poco anticuados en 2025. Pero la advertencia de Minority Report sobre un tecnoautoritarismo que opera más allá del alcance de la comprensión humana no solo sigue vigente, sino que se ha vuelto aún más urgente en nuestra era de inteligencia artificial en rápido avance.
MOFFIE (2019)
Los cinéfilos interesados en el tipo de sociedad que puede producir a alguien como Elon Musk deberían echar un vistazo a esta joya oculta del director sudafricano Oliver Hermanus.
En 1981, cuando la homosexualidad aún era un crimen en Sudáfrica, un hombre gay en el armario es llamado al servicio militar obligatorio y se enfrenta a la vergüenza, la humillación y una violencia psicológica extrema. El título de la película proviene de un insulto homofóbico común en afrikáans.
Basada en la novela autobiográfica de André Carl van der Merwe, la película expone los vínculos entre la opresión racial y sexual, y la brutalidad sistémica que sustenta ambas.
NOVECENTO (1976)
Hay muchas grandes películas italianas sobre la vida bajo el fascismo — El jardín de los Finzi-Contini de Vittorio De Sica, Un día especial de Ettore Scola, La noche de San Lorenzo de los hermanos Taviani— pero, en términos de pura intensidad, pocas pueden igualar la épica de Bernardo Bertolucci.
Robert De Niro y Gérard Depardieu interpretan a dos hombres nacidos en extremos opuestos del espectro social: Alfredo (De Niro) es un terrateniente adinerado, mientras que Olmo (Depardieu) es un campesino ilegítimo. Unidos por la amistad, pero separados por la lucha de clases que dará origen a Mussolini, sus destinos reflejan las tensiones sociales y económicas que alimentaron el ascenso del fascismo en Italia.
Excesivamente larga (según la versión que se encuentre, 1900 dura más de cuatro o incluso cinco horas), la película de Bertolucci es salvajemente operística y profundamente sensual, con claras simpatías marxistas que rara vez caen en el dogma. En su núcleo, el filme explora las raíces del fascismo en la desigualdad económica y las tensiones sociales, al mismo tiempo que muestra la importancia de la elección individual: resistir o someterse.
EL LABERINTO DEL FAUNO (2006)
En lo profundo de un oscuro bosque español, durante los días más sombríos de la pesadilla fascista del país, el mago del cine mexicano Guillermo del Toro transforma el mundo de fantasía interior de una inocente niña en una poderosa fábula sobre el poder, la corrupción y la resistencia.
Con las misiones mágicas de Ofelia reflejando la lucha clandestina de los republicanos españoles, del Toro entrelaza brillantemente la mitología personal con la resistencia histórica, sugiriendo —como lo hacen casi todas sus películas fantásticas— que la imaginación en sí misma es un acto revolucionario.
PEPPERMINT CANDY (1999)
Esta obra maestra criminalmente infravalorada del cineasta coreano Lee Chang-dong es muchas cosas: un experimento formal excepcionalmente efectivo, un devastador estudio de personaje y un argumento contundente sobre cómo los periodos fascistas del pasado pueden perseguir y envenenar a un país durante décadas.
La película comienza con un hombre de mediana edad, inestable y desesperado (interpretado por Sul Kyung-gu), arrojándose frente a un tren mientras sus antiguos compañeros de clase, reunidos en un parque público para celebrar su 20º aniversario, lo observan horrorizados. Un misterio melodramático, la historia avanza entonces en sentido inverso a lo largo de las vías del tren, revelando seis episodios clave que llevaron al protagonista a este desenlace desquiciado. Estas viñetas, intrincadamente entrelazadas y cada vez más desgarradoras a medida que su historia toma forma, siguen al hombre a través del vacío espiritual de la bonanza económica de los años 90 en Asia Oriental hasta sus experiencias más traumáticas durante los días más oscuros de la dictadura militar en Corea en los años 80.
Para cuando el espectador vuelve a encontrarse con el protagonista en el episodio final, cuando aún es un estudiante dulce e inocente al borde de la adultez, el conocimiento previo de cómo la historia coreana torcerá su vida en una tragedia aplastante resulta casi insoportable.
PERSEPOLIS (2007)
La película autobiográfica animada de Marjane Satrapi, adaptación de su novela gráfica sobre crecer en el Irán pre y post-revolucionario, es una crítica profundamente personal y, a menudo, hilarante al totalitarismo. Antes de la revolución islámica, la pequeña Marjane era fanática del punk y de Bruce Lee, hija de izquierdistas acomodados y estrictamente laicos que se oponían a la dictadura del Sha y que aguantaron la respiración cuando los islamistas tomaron el poder, solo para ver cómo un régimen autoritario era reemplazado por otro.
Demasiado sutil y equilibrada como para ser descartada como simple propaganda antiiraní —cuando Marjane va al extranjero a estudiar, Satrapi muestra lo condescendiente y misógino que puede ser el “mundo libre”—, Persépolis es una crítica matizada a todas las formas de fundamentalismo, tanto islámico como occidental.
PORCO ROSSO (1992)
La metáfora visual más recurrente de la leyenda del anime Hayao Miyazaki para la libertad y la trascendencia creativa es la aviación (su famoso estudio, después de todo, lleva el nombre de un avión de reconocimiento italiano de la década de 1930 apodado el “Ghibli”). En Porco Rosso, el maestro coloca esta obsesión de toda su carrera en el centro de la historia. La película está ambientada en la costa del Adriático en Italia en 1929 —siete años después de que Mussolini llegara al poder— y cuenta el irresistiblemente caprichoso relato de un piloto de combate italiano de la Primera Guerra Mundial que ha sido misteriosamente transformado en un cerdo (pero que aún surca los cielos con arrogancia y audacia).
¿Fue Porco Rosso maldecido a convertirse en cerdo debido a la culpa del sobreviviente que siente por los horrores que presenció en la Primera Gran Guerra? ¿O se ha convertido en un cerdo porque abandonó el deshumanizante movimiento nacionalista italiano para vivir según su propio y malhumorado código de honor como un cazarrecompensas independiente, uno que desprecia tanto a la policía secreta italiana como a los piratas aéreos oportunistas a los que persigue en el cielo? Miyazaki no lo dice con exactitud, pero la versión desenfrenada del heroísmo que representa Porco es inconfundible. Cuando un oficial italiano lo invita a regresar a la fuerza aérea italiana con un cómodo puesto, Porco se burla: “Gracias por la oferta, pero prefiero ser un cerdo que un fascista.”
THE PRIME OF MISS JEAN BRODIE (1969)
Décadas antes de que la mirada fulminante de la profesora McGonagall hiciera temblar a Harry Potter, Maggie Smith fue magnética, aterradora (y ganadora del Óscar) en el papel de la maestra titular en esta adaptación del clásico de advertencia de Muriel Spark.
El carisma de la señorita Brodie, y su declaración romántica de que sus alumnas necesitan aprender sobre “belleza, honor y coraje”, parecen situarla en la misma línea de enseñanza del carpe diem que Robin Williams en La sociedad de los poetas muertos. Pero hay algo más oscuro debajo. Estamos en los años 30 y Brodie es una admiradora declarada de los líderes fascistas Benito Mussolini y Francisco Franco. Su influencia sobre sus alumnas favoritas —el “grupo de Brodie”— resultará desastrosa. La sutil película de Ronald Neame expone la delgada línea entre la seducción intelectual y la corrupción moral, y el peligroso potencial de la indoctrinación carismática.
ROMA, OPEN CITY (1945)
Roma, ciudad abierta de Rossellini, es un conmovedor testimonio neorrealista de la resistencia italiana al totalitarismo. El estilo crudo y similar a un documental de la película —filmada en las calles devastadas por la guerra en la capital italiana— despoja al relato de cualquier mitificación heroica para mostrar la lucha contra el fascismo como un combate desesperado y agotador, marcado por el miedo constante y la posibilidad de traición.
Después de que Italia se volviera contra los fascistas de Mussolini, dos activistas de izquierda y un sacerdote católico —cada uno representando una forma distinta de desafío colectivo— encuentran su ciudad humillantemente ocupada por la Alemania nazi, que ha reinstalado al dictador italiano en un estado títere en el norte, en Salò.
Rossellini no se aparta de la dura realidad: la película es una deconstrucción a ras de suelo de cómo el poder fascista se sustenta en la violencia sistemática, el terror y la deshumanización. Pero su filme también está impregnado de pasión y de la determinación de que, por muy malas que sean las cosas, los seres humanos sobrevivan.
ROSENSTRASSE (2003)
Las historias de mujeres fuertes enfrentándose a la masculinidad tóxica son una especie de especialidad de la directora alemana Margarethe von Trotta (Hannah Arendt, Rosa Luxemburgo, Marianne & Juliane), y esta película ilumina otro relato menos conocido de resistencia femenina.
En 1943, los matones de Hitler reunieron a los judíos que quedaban en Berlín para deportarlos a los campos de concentración. Un pequeño grupo de hombres judíos —los casados con alemanas no judías— obtuvo un breve respiro de la ejecución y fueron desviados a un centro comunitario judío en Rosenstrasse mientras los nazis decidían su destino. Sus esposas protestaron afuera, logrando —increíblemente— que los nazis cedieran y liberaran a sus hombres, la mayoría de los cuales sobrevivieron. Von Trotta se permite algunos momentos de melodrama torpe, pero la película es un argumento en contra de la afirmación común de que los ciudadanos ordinarios no pueden hacer nada para resistirse a un régimen fascista.
SALÒ, OR THE 120 DAYS OF SODOM (1975)
El fascismo es una película snuff. Adaptada libremente del tratado de S&M del Marqués de Sade, el artista vanguardista e intelectual italiano Pier Paolo Pasolini traslada la depravación a Salò, en el norte de Italia, alrededor de 1944, en la república fascista establecida por Mussolini después de ser liberado por los nazis de los partisanos italianos.
Cuatro miembros de la élite gobernante, locos de poder y sádicos sexuales, secuestran a 18 adolescentes y los someten durante meses a torturas físicas y psicológicas. La historia se divide en cuatro segmentos, inspirados en La Divina Comedia de Dante, y hay algunas discusiones filosóficas sobre Friedrich Nietzsche, Ezra Pound y Marcel Proust, pero cualquier intelectualismo es destruido por la espantosa representación de la violencia de Pasolini: violaciones, ahorcamientos, desollamientos, pezones quemados, ojos arrancados.
La última y más extrema película de Pasolini, estrenada solo unas semanas antes de que fuera asesinado en circunstancias sospechosas (evidencia reciente sugiere que terroristas de derecha podrían haber estado involucrados), muestra el resultado inevitable de la ideología fascista.
THE SOLDIER OF ORANGE (1977)
Posiblemente el director antifascista por excelencia de nuestro tiempo, Paul Verhoeven en su gran éxito de 1977 sigue a un grupo de estudiantes universitarios frívolos que toman caminos muy diferentes tras la ocupación nazi de los Países Bajos. Uno se convierte en mártir, otro en traidor y otro en héroe de guerra. Dirigida con el estilo y dinamismo familiar de sus posteriores producciones en Hollywood, El soldado de Orange nunca permite que su mensaje —que la gente común puede oponerse activamente a los sistemas totalitarios— se interponga en el camino de una gran historia. Y Rutger Hauer nunca ha lucido más atractivo.
THE SOUND OF MUSIC (1965)
El clásico musical de Robert Wise, ganador de múltiples premios Óscar, tiene poco que ver con la historia real del fascismo. Sí, existió la familia Von Trapp y sí, escaparon de los nazis hacia América antes de la Segunda Guerra Mundial, pero la representación de los austríacos comunes (incluidas monjas católicas estrictas) como vanguardias contra Hitler desafía la credulidad en un país que acogió con entusiasmo el Anschluss. Sin embargo, nunca se duda de que la película tiene el corazón en el lugar correcto.
“No tengo convicciones políticas. ¿Puedo evitar que otros las tengan?”, dice Max Detweiler (Richard Haydn) al Barón Von Trapp (Christopher Plummer), argumentando a favor de la indiferencia política ante el terror autoritario. A lo que Von Trapp responde: “Oh sí. Puedes evitarlo. Debes evitarlo.” Es suficiente para hacer que uno se ponga a cantar.
STARSHIP TROOPERS (1997)
Starship Troopers, de Paul Verhoeven es una sátira tan efectiva de la ideología fascista que cuando se estrenó en 1997, muchos críticos malinterpretaron la película como una apología del autoritarismo. Debieron haberse perdido la mayor parte de la filmografía anterior del director holandés (por no mencionar su biografía: presenció de primera mano el devastador bombardeo nazi de La Haya cuando era niño), que está llena de críticas mordaces a diversas formas de fascismo (El soldado de Orange, RoboCop, Total Recall).
En retrospectiva, esas malas interpretaciones solo resaltan el punto que Verhoeven quería hacer sobre el atractivo instintivo de los impulsos fascistas, sin importar cuán caricaturescamente se expresen. Todo lo que esos primeros críticos criticaron es precisamente lo que hace que la película sea hilarante e ingeniosa: desde la elección deliberada de actores exageradamente atractivos y de aspecto poco inteligente para los papeles principales, hasta la exhibición entusiasta de violencia militar orgiástica, pasando por los vestuarios, decorados y fragmentos de diálogo directamente extraídos de la iconografía y propaganda nazi.
THE TIN DRUM (1979)
Oskar Matzerath, el protagonista de voz aguda y percusionista de El tambor de hojalata, de Volker Schlöndorff, es el Peter Pan del antifascismo. Se niega a crecer porque crecer significa convertirse en nazi.
Adaptada de la novela de realismo mágico de Günter Grass sobre un niño que deja de crecer a los tres años y cuya voz puede romper cristales, El tambor de hojalata usa la perspectiva infantil para burlarse de la pompa y la pomposidad del nazismo. En una escena, su tamborileo interrumpe una marcha militar en un mitin del partido, transformándola en un vals masivo. (Ojalá Oskar hubiera estado en la inauguración de Trump.) No hay nada dulce ni inocente en el pequeño Oskar: el fallecido crítico Roger Ebert lo describió como “un mocoso detestable”, pero a veces la mejor manera de enfrentar la hipocresía fascista es gritarle con desprecio.
TO BE OR NOT TO BE (1942)
¿Cuándo es demasiado pronto para responder a una atrocidad con una chispeante comedia? Con este audaz ejercicio de compromiso artístico, el maestro del screwball, Ernst Lubitsch, básicamente dice: nunca.
Ser o no ser está protagonizada por Jack Benny y Carole Lombard como un matrimonio de actores en la Varsovia ocupada por los nazis que se ven envueltos en una trama de espionaje justo cuando las SS de Hitler comienzan a deportar a los residentes judíos a los campos de concentración. La película entró en producción poco antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial y generó una fuerte división de opiniones cuando se estrenó en 1942, con muchos críticos que la calificaron de escandalosamente de mal gusto.
Pero Ser o no ser es extraordinariamente intrincada y compleja, contrastando su humor con reconocimientos directos de los horrores del momento, argumentando esencialmente que la agudeza del ingenio y la metáfora visual ingeniosa —el famoso “toque Lubitsch”— son nada menos que el champán de la civilización, algunas de nuestras expresiones de alegría más sofisticadas, que los nazis solo buscan aplastar.
THE ZONE OF INTEREST (2023)
Existen muchas películas impactantes sobre los horrores del Holocausto, pero Jonathan Glazer cambia el enfoque de los asesinatos nazis a la indiferencia moral banal que los permitió. La vida cotidiana de Rudolf y Hedwig Höss —el comandante de Auschwitz y su devota esposa— se retrata de manera plana, mientras la normalidad doméstica transcurre directamente al lado del asesinato industrial. Nunca vemos los hornos, pero los escuchamos, justo al otro lado del muro.
“Todas nuestras elecciones fueron hechas para reflejarnos y confrontarnos en el presente, no para decir ‘Miren lo que hicieron entonces’, sino ‘Miren lo que hacemos ahora’”, dijo Glazer en su discurso de aceptación del Óscar por La zona de interés. “Nuestra película muestra a dónde lleva la deshumanización, en su peor forma. Ha moldeado todo nuestro pasado y presente.”
